在數位年代，關於藝術家的生活，你會聽到兩種版本。



一種是矽谷的版本：



「要成為藝術家，沒有比現在更好的年代了。

你只需要一台筆電、一間錄音室、一隻iPhone或攝影機就能創作。

創作藝術幾乎沒什麼成本，透過網路發行作品也是免費。

人人都可以是藝術家，只要發揮你的創作力、找到發表平台，你就有可能成名。」



另一種版本，是專職藝術家的肺腑之言：



「沒錯，你可以把你的作品放到網路上，但誰會付你錢？

每個人都是藝術家，那就沒有人是真正的藝術家。

創作藝術需要多年的犧牲奉獻全心投入，過程需要很多支持，特別是『金錢』支持。

若當今對藝術的定義與消費方式沒有任何改變，很多創作將逐漸萎縮。」



每個人都是藝術家的概念源於一種革命主張；現在，它變成了行銷標語。

如今許多人無時無刻都在消費藝術，卻對藝術家在當代經濟中的困境視而不見。

大量的「藝術」被製造出來，數量之多前所未見，成本也更低廉。

對於藝術消費者來說，這真是最好的時代──如果不把「質」與「量」等同視之，

也不去思考供應鏈另一端的工人過著何種生活，就會覺得最藝術的時代莫過於此。



我們首先有了速食，然後是快時尚，現在則迎來快藝術：

快音樂、快文字、快影片、快攝影、快設計與快插圖。

廉價製造，匆匆消費。我們隨心所欲，狼吞虎嚥。然而，問題是：

當真正夠好的藝術被免費上架的產品打敗之後，會留下什麼樣的藝術？



「這本書不是一個藝術家的謀生手冊，這本書更像是全面性的檢視藝術家的社會狀態。這件事對於藝術家與社會一般大眾都很重要，因為在台灣我們太少討論『藝術的社會性』這件事了，因此我們一代代傳承了一些關於藝術家生存的僵固說法，這甚至導致我們看不到藝術，只是看見我們自己的刻板印象。另一方面，在社會與藝術緊密相繫的當代藝術世界之中，審視藝術家的社會狀態也是一種創作的眼光。最重要的，社會性的觀察讓我們重拾一種『結構』的眼光。藝術不是個人天才、性靈的表現，藝術是身處在社會、文化結構當中的人，在重重條件限制之上，追求一己之創作。」──汪正翔（攝影創作者）